… Schmidts Musik ist durch und durch modern; das heißt, sie gibt akustische Verdichtungen heutiger Realitätserfahrung und vergegenwärtigt Gefühle, Passionen, Reflexionen und Visionen dieser Zeit. Dabei zeigt er sich wenig bekümmert um technische Moden oder bestimmte handwerkliche Standards, die irgendwo als up to date gelten. Sie ist wohl durchkonstruiert nach strengen, oft zwölftönig gegründeten Regeln, aber stärker reguliert vom spontanen Drang nach eigenwilligem Ausdruck. Seine Musik tendiert zur polyphonen Vernetzung von Strukturen, zu oftmals chaotisch anmutenden Bündelungen der Stimmen im Detail, doch andererseits gruppiert und entwickelt sie sich zum ausgeschöpften, stimmig gerundeten Bogen im Rahmen relativ einfach überschaubarer Dramaturgien. Sie wurzelt schließlich in der begriffslosen Rhetorik romantischer Expressivität zwischen dem Aufschrei der Verzweiflung und der Persiflage komödiantischer Lebenslust, begeift sich dabei aber meistens doch als leidenschaftliches Psychogramm der mehr oder weniger verschwiegenen persönlichen Stimmungen und Betroffenheiten. Dies verlangt eine gewisse epische Ausführlichkeit der Darstellung wie besondere Vorkehrungen zur lyrischen Verschlüsselung, obwohl in Schmidts Musik, gleichsam unterirdisch, stets eine dramatische Fiber wirkt, die gewiß einmal zur Bühne drängt. Denn das Aussprechen innerster Gedanken in den absoluten Formen der Instrumentalmusik bildet nur einen Pol seines Schaffens. Der andere, im Wechsel dazu, bezeichnet das Bedürfnis nach synästhetischem Ausdruck, nach grenzüberschreitenden, vor allem literarisch inspirierten Darstellungsmitteln und nach der möglichst deutlichen, ja eindeutigen Formulierung von Gehalten, denen im weitesten Sinne politische Relevanz zukommen und die als moralische Appelle an die Gesellschaft verstanden werden sollen. Davon sind viele Werke inspiriert, die zum Bereich der vokalen Kammermusik und der Vokalsinfonik gehören. Gerade hier bedient sich der Komponist eines reichen Spektrums der Genres und Inhalte, wobei oft biblische Texte den wichtigsten gedanklichen Bezugspunkt bilden … (In: Frank Schneider, Christfried Schmidt, Broschüre des Deutschen Verlages für Musik, Leipzig 1987)

Ein fanatischer Wahrheitssucher Der Berliner Komponist Christfried Schmidt. Er sollte mit seiner unbequemen Musik, die dem DDR-Komponistenverband wenig behagte, in eine Außenseiterrolle abgedrängt und eigentlich nur mit “abgegrenzten Aufgaben” bedacht werden. Was nun auch bei einer Tagung der Musikakademie Rheinsberg zum Thema “Musik im stillen Widerstand” deutlich wurde. Aber ganz verhindern ließ es sich nicht, dass ab und an ein Werk des Berliner Komponisten Christfried Schmidt gespielt wurde. Und so lag dann auch stets eine besondere Spannung über einem Abend, an dem ein schon vor vielen Jahren (Schmidt kann einen Berg unaufgeführter Partituren vorweisen) oder - in den seltensten Fällen - auch mal ein kurz zuvor entstandenes Werk von ihm gespielt wurde. Welch lebhafte, widerstreitende Publikumsreaktion zum Beispiel im Schauspielhaus Berlin nach der Aufführung seiner Orchestermusik I (1985)! … Selten wurde in der neuen Musik der einstigen DDR mit solcher Heftigkeit und Unerbittlichkeit, aber auch mit solcher Zartheit “gesprochen” wie in dieser Orchestermusik von Christfried Schmidt. Und dies ausgerechnet während der damaligen DDR-Musiktage 1988, bei denen sich auch offiziell das sozialistische Musterländle im günstigen Licht darstellen wollte. Dabei ist auch dieses Werk des unangepaßten Berliner Komponisten nicht gnadenlos harter Ausdruck eigener seelischer Erschütterungen und Hoffnungen; es ist nicht zuletzt ein verzweifelter Schrei und Mahnruf gegenüber mancher Unempfindlichkeit angesichts der überall lauernden Gefahren in unserer Welt. Der aufrichtige, kompromisslose Komponist hat eben gar nichts zu tun mit neuer simpler Einfachheit, mit modischer Neoromantik oder irgendwelchen Anbiederungsversuchen. Er hat nie,im Gegensatz zu manchen erfolgreichen DDR- Komponisten, die auch gern im Westen aufgeführt wurden, liebedienerisch Staatsmusik geschrieben, dieser schon von seinem Habitus her außergewöhnliche Künstler… Was es bei Chrisfried Schmidt zu entdecken gibt, bewies unter anderem das von Irvin Arditti achtzehn Jahre nach der Entstehung uraufgeführte Violinkonzert während der ersten gesamten Berliner Musik-Biennale 1991! Erstaunlich, wie er berets 1973 seine eigene, scharf ausgeprägte, schonungslos ehrliche Sprache gefunden und in seinen eigenen vier Wänden, ohne Aussicht auf eine Aufführung, seine beunruhigende Zeitkritik formuliert hat. Von diesem fanatischen Wahrheitssucher ist noch einiges zu erwarten. (In: Eckart Schwinger, Neue Zeit, Berlin 26.11.92)

Grelle Kontraste  Zurück zum Nonkonformismus Christfried Schmidt zum 70. Geburtstag “Ich habe jedenfalls immer das geschrieben, was ich wollte, und ich hätte nie ein Stück geschrieben, wenn man mir gesagt hätte: Du musst das und das ideologisch, wie auch immer verbrämt, reinbringen. Das hätte ich abgelehnt.” Wer so spricht, der lässt sich nichts gefallen, der isst lieber trockenes Brot, als sich zu verkaufen. Bis heute geht Christfried Schmidt unverdrossen seinen Weg, was allein Respekt abnötigt, und bis heute hat der Konflikt zwischen Neuer Musik und Publikum, den er an Leib und Werk spürt, sein Künstlertum nicht ernsthaft beschädigen können. Schmidt fing als Kirchenmusiker und komponierender Autodidakt an. Die ersten Arbeiten waren an die hundert Lieder mit Texten quer durch den Literaturgarten, darunter Hesses Musik des Einsamen. 1965 entstand das große Oratorium Mahnmal wider die Gewalt. Es folgten zwei Sinfonien: Hamlet-Sinfonie, Sinfonie In Memoriam Martin Luther King; beide sind noch ungespielt. Seine gleichfalls unaufgeführte Markus-Passion beendete der Komponist 1974. Zwischen 1965 und 1974 blieb Schmidt in der DDR ohne Aufführung und Auftrag. Stattdessen spielte man ihn fröhlich in Tokyo und verlieh ihm einen Kompositionspreis in Nürnberg. Der DDR- Rundfunk entkrampfte die Situation etwas, indem er 1973 sein Klavierkonzert produzierte. In der Kammermusik ermöglichte das Staatsopern- Bläserquintett Berlin 1974 den Einstieg mit der Uraufführung seines Bläserquintetts (1971). Nichts liegt näher, als seine bisher elf durchnummerierten, wechselnd besetzten Kammermusiken, erfunden im letzten Viertel des vergangenen Jahrhunderts, neu - oder wieder zu entdecken. Das ganze Konvolut dieser Kammerstücke steht - wie die übrige Musik Christfried Schmidts - im Zeichen der Treue zum seriell variantenreich organisierbaren Material. Auf Mannigfaltigkeit in Harmonik und Rhythmik, auf expressiver Gestik und Gebärde, auf gewichtigen Termini der Polyphonie basiert der Gehalt dieser Musik. Der Künstler, angetreten, über die Möglichkeiten neuer Musik von sich und der Welt aufs Persönlichste Kunde zu geben, verbindet darin Strenge der Formulierung und technischen Anspruch mit spontanem Musizierwillen. In den Kreis vokal-instrumentaler Kammermusiken gehört der Psalm 21 (Text: Ernesto Cardenal). Das Stück erlebte seine Premiere 1971 in Nürnberg und gehört, wer immer das anders sehen mag, in die Reihe der eindringlichsten engagierten Werke im 20. Jahrhundert. Leider wissen die wenigsten von diesem klangharten, vital-expressiven Anti- Gewalt-Stück. Als dem Outsider nach der Wende - etwa bei der Uraufführung seines Violinkonzerts 1991 im Schauspielhaus Berlin - heftig akklamiert wurde, hatte bereits die Währung gewechselt. Die Marktwirtschaft, so überhastet wie schlecht installiert und ohnedies kunstfeindlich, desorganisierte nun auch den ostdeutschen Musikbetrieb, und die frisch eingepflockten neuen Eliten, meist zweite Garnitur, schienen im unbekannten Gelände niemand weiter zu kennen als sich selbst und ihre Favoriten aus dem Westen. Schmidt hat derlei Vorgänge anfänglich begrüßt. Doch bald dämmerte es, denn die neuen Eliten verhielten sich nicht viel anders als die alten. Schmidt wurde wie einst in den Sechzigern wieder geschnitten. Zählte der Mann nach der "Wende" kurzzeitig zu den maßgeblichen deutschen Komponistenpersönlichkeiten, war dieser Ruf rasch wieder verflogen. Die Orchestermusik III, Auftragswerk der Komischen Oper Berlin, liegt beispielsweise seit 1992 in der Schublade. Spätestens Mitte der neunziger Jahre erschien der Komponist wieder ganz auf sich gestellt und fiel, wie viele seinesgleichen, unter neuen Vorzeichen in die alte nonkonformistische Rolle zurück. - Das mag auch daran liegen, dass Künstler wie er, die alles Modische ablehnen und denen der ganze Oberflächenundeutlichkeitskrimskrams der Postmoderne ein Greuel ist, heute so wenig integrierbar sind wie gestern. Schmidt wäre nicht Schmidt, wenn er nicht schimpfen würde. Verhältnisse unmöglich zu machen, das ist eine seiner kreativen Tugenden. Das geht nicht immer gut aus, sicher. Aber aufregend ist es allemal, wenn er jenes Musikervolk attackiert, das seine Stücke leidenschaftslos und schlampig aufführt. Verhasst sind ihm insbesondere bequeme, generöse Konzerthörer, die, statt mit den Ohren zu begreifen, alle Musik verpennen; nicht minder die Ignoranten, welche an den Pulten stehen und in den Instanzen rumlungern; Personal, das nicht erkennen will, was an Gehalt und Brisanz in seinen Partituren steckt und sie deswegen achtlos beiseite schiebt. Wenn der Fluchende darüber erbost und traurig ist, dann sind die, die mit ihm fühlen, auch erbost und traurig. Glück? Als Komponist? Durchs Küchenfenster seiner Wohnung im Prenzlauer Berg sieht man auf der gegenüberliegenden Front einen Riesenfleck Weinblätter. Die hat er einst angepflanzt, sagt er stolz, und nun bedecken sie fast die ganze Hinterhofwand, worüber er sich natürlich sehr freue. Seine Orchestermusik I, Beginn einer Serie, die unterdes bei der Nummer V ist, markiert in anderer Art ein weit verzweigtes, wucherndes Gewächs. So war dieser Tage ein Hoffnungsschimmer, dass endlich Memento, 1. Teil, für Orchester im Gewandhaus Leipzig kam. Dirigent Fabio Luisi, er führte die Partitur mit dem MDR-Sinfonieorchester leidenschaftlich auf, hat erkannt, dass von Schmidt Bedeutendes vorliegt und allemal noch zu erwarten ist. (In: Stefan Amzoll, Freitag Nr. 48 vom 22.11.02)

Schmidts aufwühlendes “Memento, 1. Teil” und Schönbergs “Überlebender von Warschau” Uraufführungen von Orchesterwerken sind selten geworden. Auch beim MDR- Sinfonieorchester, das unter Fabio Luisi zum Entdeckermut Herbert Kegels zurück findet. Mehrere Anläufe führten jetzt zur höchst eindrucksstarken Uraufführung des Memento, 1. Teil von Christfried Schmidt, dem das Orchester in den siebziger und achtziger Jahren Anerkennung verschaffte. Das 1999 im Auftrag des MDR entstandene Werk klingt noch herber, härter, unerbittlicher als die 1983 vom Orchester unter Christian Kluttig uraufgeführte Munch-Musik und manch andere Komposition des am 26. November 70 werdenden Komponisten. Es reflektiert die Katastrophen des 20. Jahrhunderts. Die für den ersten Teil gewählte Überschrift „Schicksal" weist auf die unweigerliche Verkettung des persönlichen Schicksals mit dem historischen Geschehen. Der zweite Teil „Der Menschen Irrsinn und Ruchlosigkeit" wird von der Gewalt der furchtbaren Ereignisse von 1914-1945 beherrscht und zerfurcht und im abschließenden dritten Teil „Unser wehes Land" kommt nach den Worten des Komponisten „das Desaster danach zur Sprache, an dessen Nachwirkungen wir auch im neuen Jahrtausend noch knabbern". Zwangsläufig führen solche Gedanken über weite Strecken zu einem kompakten Orchesterklang und Klangsteigerungen von berstender Gewalt. Doch dabei vermag der Komponist durchaus zu differenzieren und variieren, das Blickfeld zu verändern. Solistische Abschnitte schaffen Atempausen, führen zu zarten Wendungen, die inmitten infernalischer Vorgänge Sehnsucht nach Menschlichkeit, nach Zartheit, nach Liebe, nach Unbeschwertheit aufscheinen lassen. Es sind Wendungen, die Christfried Schmidt als ausgesprochen sensiblen Künstler zeigen, der an all den Furchtbarkeiten des 20. Jahrhunderts leidet und sie überwunden sehen möchte. Das 2. Konzert „Zauber der Musik" mit diesem Werk zu eröffnen, war ein Wagnis. Doch Fabio Luisi weckte besondere Aufmerksamkeit, indem er nicht nur einführende Worte sprach, sondern zunächst charakteristische Ausschnitte mit dem Orchester anspielte. Die Einsatzfreude des Dirigenten und Orchesters, die Eindringlichkeit des Musizierens erreichten eine nachhaltige Wirkung. Nach Franz Liszts sinfonischer- Dichtung „Tasso. Lamento und Triumpf" erklang noch Ferruccio Busonis selten zu hörendes, zuletzt 1986 unter Horst Neumann im „Zauber der Musik" aufgeführtes Klavierkonzert mit abschließenden Männerchor op. 39 mit Carlo Grante als großartigen Komponisten. Vieles klingt in diesem 70-Minütigem, 1904 uraufgeführten Werk durchaus vertraut. Und doch fand Busoni von der Tradition des 19. Jahrhunderts ausgehend zu einer eigenen Klangwelt, die ihn von seinen Zeitgenossen Mahler, Debussy, Strauss, Pfitzner Skrjabin, Reger unterscheidet. Von ihm bleibt noch Manches zu erschließen. Auch im 1. Chorkonzert der Spielzeit ließ Fabio Luisi Außergewöhnliches erklingen: Arnold Schönbergs Melodram Ein Überlebender von Warschau war zwischen Ludwig van Beethovens achter Sinfonie und Messe C-Dur mit Maximilian Schell als Sprecher und dem Rundfunk-Männerchor zu erleben. Im Verhältnis zur komplexen Sicht Christfried Schmidts auf das 20. Jahrhundert lässt dieses erschütternde Werk eines der furchtbarsten Ereignisse des Zweiten Weltkriegs auf der Grundlage eines authentischen Berichtes zwingend nacherleben. Die aus den Katastrophen des 20. Jahrhunderts erwachsene dissonante Tonsprache findet in diesem Werk ihre entschiedenste Begründung. Seltenes war auch in der Hochschule für Musik und Theater zu hören. Der 125. Geburtstag des Komponisten und Hochschullehrers Sigfrid Karg-Elert war Anlass zu Kursen und Konzerten der Karg-Elert-Gesellschaft im Großen Saal der Hochschule. Sie boten Ausschnitte aus einem vielgestaltigen Werk. Da findet sich Romantisches, auch der Salonmusik Zuneigendes neben Experimentallem, das bis an die Grenze der Tonalität führt, immer von urwüchsiger Musizierlaune durchpulst (In: Werner Wolf, Leipzigs Neue 01.11.2002)

Memento von Christfried Schmidt "Die Erinnerung ist das einzige Paradies, aus dem wir nicht vertrieben werden können". Dieser berühmte Ausspruch Jean Pauls trifft nur bedingt zu; denn je nach persönlicher Situation, abhängig vom individuell Erlebten, kann die Erinnerung auch zur Hölle werden, zum Ort traumatischer Bedrohung. In seinem Werk "Memento" für großes Orchester thematisiert Christfried Schmidt, verbunden mit dem Andenken an seine Mutter, die großen Leiden des vergangenen Jahrhunderts. Kompromisslos konfrontiert er den Hörer mit der Gewalt menschlichen Schmerzes. Nur hin und wieder blitzt Ironie auf, fast wie ein Schutzreflex. Das knapp halbstündige, dreiteilige Werk verstört durch heftig aufeinander prallende Kontraste im Bereich der Dynamik und der Satztechnik, aber auch der Instrumentation. Längere Phasen in eher flächigem Satz wechseln mit filigraner Linearität, massive Klangballungen mit eher durchsichtigen Solopassagen, Ausbrüche tiefsten Leids mit etwas zurückgenommenen Momenten. Doch nicht nur im zeitlichen Nacheinander, auch simultan werden Gräben aufgerissen, so zum Beispiel, wenn gegen Ende des Werks extrem hohe Töne der Violine der Tiefe der Kontrabässe entgegen gestellt werden. So vielfältig die Mittel sind, derer Schmidt sich bedient, so originell weiß er sie einzusetzen, sie in immer neue Kontexte einzubinden, wodurch sich ständig neue Ausdrucksdimensionen erschließen. Das MDR Sinfonieorchester unter der Leitung von Fabio Luisi hebt die Auftragskomposition mit großem persönlichen Einsatz aller Beteiligter aus der Taufe und bereitet damit nicht nur dem Komponisten einen großen Gefallen. Luisi mit seinem ebenso konzentrierten wie emotionalen Zugriff, die durchweg überzeugenden Soli, die exzellente Schlagzeuggruppe - sie alle bieten dem Werk beste Voraussetzungen für eine unmittelbare, durchschlagende Wirkung im Sinne Christfried Schmidts. Viel wichtiger noch als diese rein musikalischen Elemente scheint mir das große persönliche Engagement des Komponisten, seine Ehrlichkeit und humanistische Grundhaltung, welche der Musik Bekenntnischarakter verleihen und den Eindruck erwecken, sie sei einem inneren Zwang abgerungen. Vergleichbar ist Christfried Schmidt hierin vielleicht dem schwedischen Sinfoniker Allan Pettersson, für den seine Musik wohl Krankheit und Therapie zugleich war. Ebenso wie Petterssons Werke verlangt "Memento" vom Hörer einiges an Aufmerksamkeit und Geduld. An einen Ausspruch des Künstlers Edvard Munch angelehnt, sagt Schmidt, es gehe ihm mit seiner Musik darum, den Menschen etwas zu geben, was sie herausfordere und errege. Beim Leipziger "Zauber der Musik"-Publikum hat er dieses Ziel leider nicht erreicht. Es ist dem Werk zu wünschen, dass es nicht bei dieser einen Aufführung bleibt; denn Christfried Schmidts Musik hat etwas zu sagen, das das Zuhören lohnt (In: Frank Sindermann, Leipzig-Almanach 27.10.2002)